La agrupación de los artesanos en "gremios", favorecida
por el contexto urbano en que se desarrollaba su actividad,
presentará una doble vertiente respecto a la
diferenciación institucional del arte. Por un lado los
artistas alcanzarán mayor prestigio en la ciudadanía, por la influencia de las
funciones
orgánicas y corporativas que desempeñan los
gremios. Estos elevan el prestigio el prestigio social de
sus miembros. En oposición, el fijar y perpetuar una
tradición técnica, tendían a nivelarlos,
dejando de lado la creatividad y
la individualidad. Comienzan así los conflictos
entre los artistas y los gremios. Se inicia aquí la
búsqueda de la independencia
institucional. La nueva independencia y prestigio social de los
artistas encontrará su soporte ideológico en la
expansión del humanismo.
Poco a poco se van consolidando los argumentos de que todo
artista plástico,
deberá poseer sólidos conocimientos en
Matemática y anatomía, para
acercarse a un "humanista" y tener la dignidad de un
hombre de
letras, separándose del artesano.
Los pintores y escultores que quieren acerarse a las artes
liberales, tratan de demostrar que su "arte" necesita
conocimientos teóricos. Ej. Ghiberti, Vitruviu, Leonardo
aconsejan el estudio de la historia, matemática,
filosofía, etc. para ser digno de las artes libeales.
El soporte ideológico más profundo y
sistemático de la nueva institucionalización
autónoma del arte, es el movimiento
neoplatónico de Florencia. La capacidad creativa
será la que al entender de la época,
separará el trabajo
artesanal de la creatividad del artista; que harán de
él un personaje semi-divinio. Las artes plásticas
alcanzarán el nivel de la poesía
y se producirá la ruptura con las actividades
artesanales.
La compleja mediación ideológica y conceptual
del neoplatonismo, como soporte de la nueva consideración
social del arte, se ve favorecida por un público
burgués en las ciudades y la configuración
mercantil que iban adquiriendo las actividades artísticas.
La adquisición de obras de artes, era un respaldo
económico y elevaba el status social del cliente.
El esfuerzo de las artes plásticas por emanciparse de
la artesanías, se consolida con al "sistema de las
Bellas Artes",
instituciones fundamentales en el proceso de
diferenciación de los artistas plásticos
de los artesanos manuales. Anthony
Blunt dice: "Las academias trataron las artes como temas
científicos, era preciso enseñar tanta teoría
como práctica…," Si bien las academias le dieron impulso
al arte, luego lo llevaron al estancamiento, al "academicismo" y
la crisis del
siglo XIX marcará el inicio del arte de nuestro tiempo. Las
academias darán lugar a los "salones de exposiciones" y
entre el producto
artístico y el público, aparecerá la
"crítica
del arte". El 1791 el" salón" quedó abierto a todos
los artistas y no-solo a los miembros de las academias.
Posteriormente surgen los "museos". Todo esto lleva a la
autonomía del arte en el mundo moderno.
William Morris fue el primer artista que comprendió,
como habían perjudicado al arte, los fundamentos sociales
del arte durante los siglos posteriores al Renacimiento,
especialmente los años que siguieron a la Revolución
Industrial.
Morris exclama: "no quiero arte para pocos…" y abre el
camino del arte de nuestro siglo. Se remonta a la Edad Media, al
artesanado gótico expresando: "el verdadero arte debe ser
hecho por el pueblo y para el pueblo, como una dicha para quien
lo crea y para quien lo aprovecha".
Morris abre la firma Morris, Marshall & Faulkner,
trabajadores artísticos en pintura,
tallado, etc. La restauración del oficio manual ante la
Revolución Industrial hacía difícil la
competencia en el
mercado; solo un
estrecho círculo comprará los productos del
artista artesano.
El movimiento inglés
de las Artes y Oficios, trajo un renacimiento de la
"artesanía artística". Representante de este
movimiento es Walter Crane, que pretendía transformar a
nuestros artistas en artesanos y a los artesanos en artistas.
Las escuelas alemanas de arte, habían abandonado la
rutina del siglo XIX y tomado el rumbo del movimiento moderno,
cambiando a sus directores.
Walter Gropius, en 1914, como director de la Escuela de Arte
de Weimar, prepara nuevos planes para reorganizarla.
La nueva escuela combinaba, una academia de arte y una escuela
de artes y oficios; su nombre fue Bauhaus. Era una escuela taller
y un laboratorio
para el oficio manual. Reunía en un mismo espíritu
a arquitectos, técnicos, artesanos, etc.
El manifiesto de la Bauhaus expresaba: "El fin último
de cualquier manifestación plástica es la
arquitestura". Los estudiantes se organizaban como aprendices,
pasaban a dominar un oficio, para posteriormente hacer estudios
superiores, que le permitían la planificación arquitectónica y el
estudio del diseño
experimental.
Sus puertas fueron cerradas por los nazis en 1933, pero la
obra y las ideas habían recorrido el mundo, sembrando
semillas que dieron origen a escuelas similares.
Mientras esto ocurre en occidente, en Argentina, abordando la
antigua LEY 1420 de EDUCACIÓN COMUN, que tenía como
fin continuar y completar la obra iniciada por la familia,
apuntando a la "formación integral del alumno", para
instruirlo, disciplinar sus aptitudes y enriquecerlo de valores,
con el fin de prepararlo para la vida y poder
defenderse en el ambiente que
le toque vivir.
Los "Programas de las
Escuelas Comunes", de 1956 – 1964, dedican a las "materias
especiales", dibujo, labor, música y Trabajo Manual
una hora semanal en los grados inferiores y dos horas en los
grados superiores.
La enseñanza de éstas materias, apuntaba la
"dominio de la
técnica". En el área del Trabajo Manual, se
pretendía el "dominio de la mano", en Labores
"aplicar los conocimientos a las necesidades de la familia y formar
aptitudes para una futura capacitación profesional".
En1970, los Lineamientos Curriculares dan lugar a la introducción de otros saberes, idioma y
tecnología, reduciéndose el espacio
del área artística; se mantiene
Música, Actividad Plástica y Trabajo
Manual, mientras transcurre esto existen opiniones dispares
sobre el concepto de
"arte", "artesanía" y "diseño".
El mundo más tecnificado, la T.V. es un integrante
más de la familia, los requerimientos de la vida moderna
exigen estar más horas fuera del hogar. Ya muy pocas
tareas manuales se realizan en la casa, todo se compra, las
generaciones de jóvenes no han heredado de sus mayores
conocimientos de los oficios domésticos.
Transcurre la década de 1990, en la República
Argentina se gesta la LEY FEDERAL DE EDUCACIÓN 24.195,
casi con los mismos fines que la anterior, pero con más
años de escolaridad obligatoria, contemplando los
distintos niveles educativos.
La provincia de La Pampa, acorde a la Ley Federal, sanciona la
LEY PROVINCIAL DE EDUCACIÓN 1682/96. aquí el
área artística pierde más espacio
curricular, reduciéndose a dos horas didácticas en
E.G.B., que se comparten entre Música y Plástica
Visual y cuatro horas en primer año de Polimodal para
Lenguajes Artísticos y Comunicacionales.
De acuerdo a los nuevos conceptos de la " imagen
plástica", la artesanía ha quedado incluida dentro
de este lenguaje;
conceptos que desconocen lo directores de escuela y que no
aceptan muchos docentes de
educación artística. Prácticamente la
artesanía sale de la escuela y va al taller
particular.
Los contenidos son amplios; recorriendo los ejes de "la
percepción, producción y
reflexión crítica de las obras de artes", como
sostiene Howard Gadner; el docente tiene autonomía para
efectuar diferentes enfoques, sin olvidar que "el arte es
conocimiento".
Como hemos visto en este paso por la historia, el artista
demostró ansias de superación, necesidad de
sobresalir y en cierto momento de conquistar la eternidad. Cuando
la Revolución Industrial atenta contra el arte,
diseñadores, arquitectos, gente de oficio van en busca del
futuro, con la creación de talleres y escuelas como lo
demostró W. Morris y G.Gropius respectivamente.
Creo que uno de los factores de más importancia es la
idiosincrasia del artesano. Su espíritu tranquilo, no se
deja llevar por los espejismos de distintos momentos
históricos, ya sea para oponerse o recrearlos, como han
hecho algunos artistas.
" El artesano no corre con el tiempo sino que se une a
éste en su fluir" , nos dice Octavio Paz.
En el ámbito educativo, el espíritu más
activo, más audaz y porque no con mayores conocimientos
teóricos, del artista plástico, sumado a las
opiniones dispares sobre arte y artesanía, y los
inconvenientes que ocasiona en las instituciones escolares su
desarrollo, ya que requiere tiempo y espacio físico, cosa
que los directivos no alcanzan a comprender, ha dado lugar a que
desaparezca como materia, para
ingresar al área de Plástica Visual, dando lugar a
desacuerdos y confrontaciones entre los docentes del área
de artesanías y artes visuales. Generado por un proyecto
educativo que no se gestó en el país, sino que lo
importamos. Proyecto que incorporó nuevos saberes,
necesarios para el tiempo que nos toca vivir, pero se
quedó con la antigua carga horaria en las
instituciones.
Ante esta realidad a nivel institucional, la sociedad nos
muestra otra
realidad, aumentan los talleres particulares, crecen en pueblos y
ciudades las ferias artesanales en parques y plazas.
¿Quién no trae del lugar que visitó un
recuerdo artesanal?
Recordamos las palabras de Octavio Paz
que dicen: "el objeto artesanal entra por los sentidos,
uniéndose la utilidad, la
tradición y la belleza. Nos da una lección de
sociabilidad, de sensibilidad, de fantasía; nos da una
elección de vida".
Hemilce Pérez
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